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Reception of books in video games : analysis of a survey

Bolter and Grusin in Remediation : understanding new media show that new media define themselves compared to older ones. The representation of one media in another one is part of this logic of remediation in which the two principles of immediacy (transparency) and hypermediacy (fascination for media). As the author exemplify with Myst, video games often use representations of books to develop the background of characters, to give informations about the universe or the story in different parts of the game or to reward bonuses. In this paper, I will study how the gamers perceive those books and how they use them. The emphasis is on the reception of the books rather than on the different functions of the books in the game structure (ludic and narrative). Indeed, there is a difference between how the designers intended the books to be used and the interest the players have for them. The recent alarmist speeches about the loss of interest for books caused by new media (including video games)1 could point toward a generally negative reception of books in game. Thus the main question is: are books in video games a feature that appeals to the players? This question is important for the academic critics as well as the game designers since it’s both a question of media ecology and social media representation and a question of the impact of a feature which costs money and resources to develop.

To tackle this subject I have decided to use a survey which aimed at understanding the different ways of using books in video games. You can find the survey in the following links: French / English.


This article will firstly present the methods used to create and analyse the survey and secondly give its results and draw preliminary conclusions.

Methods, hypothesis and population

In relation to the assessments of loss of interest in books, four hypotheses were made:

  • The interest of books is not always perceived by players.

  • The book is used rather as a game system element than a narrative device (rather for bonuses than informations).

  • The text of books is only read by players who spend a lot of time on the game.

  • The reading of the book is mainly done as and when the players encounters them.

The goal of this survey was not to be representative but to anchor a literary theory on the reception of books in video games in the players’ real practices. The aim was to determine a tendency among the different uses: is it a feature which is experienced by a few players or is it in a general way used by most players?

The survey was created with google documents and posted on different forums online.2 There were two versions of the survey : one in French and one in English. The French one received 144 responses from the 25/08/2015 and the 20/10/2015 and the English one 44. Because the French one received more responses, I will use these results for my analysis in this paper, but the English one corroborate the tendency observed here.


The indirect form of a survey posted online was chosen to allow numerous and diverse responses. However, there are limits linked to this method. Firstly, many forums don’t allow to post link, and the number of forums was considerably reduced from the original concept. Secondly, the form of forums require to post a thread in a precise topic and thus reduces the potential players to those who follow the topic. I decided to focus on forums about RPGs (in general or particular games) because I have concluded elsewhere that RPGs were one of the genre which used the most representations of books and used them in their structure. The first part of the questions were made to determine the profile of the player. The analysis of the data gathered confirms that the players mainly play different forms of RPGs (cRPG, Tactical RPG, MMORPG …) and action-adventure games.

2Because the responses were not representative of all types of gamers (casual, e-sport fans …), I decided to focus the analysis on RPG players. So, in the rest of the paper, I only take into account RPG players.

Moreover, as far as the type of player is concerned, most of the players invest a lot of time in the games they play and find the story and the universe as important as the gameplay for a game.


Results and analysis

The second part of the survey was dedicated to the use of books in game in general and the third part was focused on a few games that represent books to question differences between games.

Like texts in general in video games, books are not ignored by players, they are a game element that is used by players. It’s an experience that cannot be dismissed as accessory. More than 90 % of the players always or often read the texts in game (books, bestiary, posters…). More than 80 % interact with books in game always or often.


The books are not only interacted with (opened and closed) but also read and used as game mechanics features. Almost 70 % of the players say that they always or often read books and only 1 % declare never reading them.


The books are part of the continuous game experienced : they are not perceived as separated entities. Most of the players read the books as soon as they find it or when they open their inventory. More than 80 % read them only once. Only 6 % use books outside the gam. The books are sometimes part of the re-appropriation of the universe by the players which is part of the geek culture, as David Peyron argues in “Culture Geek et participation : continuités, formes nouvelles et rapport à l’industrie culturelle”. The books are copied in wikis, read in online videos, translated, used as prop for fan fiction …


The books are used rather for understanding the story or the universe rather than the game mechanics. Most of the players are looking for informations about the universe or the story but only a few are looking about tips on gameplay (tips to fight against a boss for example). Interestingly, only 60 % of them always or often like to find books.


The importance of books differs from game to game and it doesn’t come from the fact that books are only a text or both a text and an element of gameplay. The games mentionned in the survey were : The Elder Scrolls series, The Witcher series, the Fable series, Myst, Dishonored, Nier and Soul Sacrifice. The last two games will not be used here because only a few players played them, so the results are not important enough to see tendencies.

90 % of the players read at least some books in TES and 30 % read most of them. More than 70 % used them for gameplay. The books in TES are used more for the story than the gameplay bonuses they can give. 


The same can be concluded for The Witcher games: 15 % of the players or less didn’t use or read the books or don’t remember them. A slight difference can be noticed from the reception of books in TES: more players read all of them.


These results are confirmed for The Witcher 3 by an online survey, created by a player.3 The differences come from the fact that this survey focuses on the completion of the reading of a book.

Books in Dishonored have the same kind of reception even if they are not a mechanic of the game system. 80 % of the players read them.


On the contrary, for the Fable games, the books are not an essential part of the game : 25 % of the players didn’t read books or don’t remember it and more than 50 % didn’t use them or don’t remember it.



The case of Myst shows that there can be really different kind of receptions of books in one game.

The more the game is played the more the books are read. The most interesting case to show that trend is Dishonored since there were 57 hardcore players4 and 27casual players.



The books are an important feature of the game but not an essential one since some players who play a lot didn’t read or don’t remember the books. Players who spent a lot of time playing the games from the Fable series are, for example, more than 30 % who didn’t use or don’t remember using the books, either for gameplay or narration.


These conclusions are only preliminary since the pool of players was limited in number and focused on RPGs players (as it was mentioned before). Other surveys from representative members of the gamer community could improve our understanding of the reception of books in video games, but would fall within the issues tackled by sociology. Another method to reinforce our conclusions could be to focus on the reception of a few players by creating interviews. In particular, the innovative uses of books outside their original functions in game which were mentioned in the survey could be investigated more.

Works Consulted

Critical works

Bolter, Jay David and Grusin, Richard Remediation: Understanding New Media, Cambridge: MIT Press, 1998.

Bugeja-Bloch, Fanny and Couto, Marie-Paule Les méthodes quantitatives : l’art de faire parler les chiffres sans les torturer, Paris: Presses universitaires de France, 2015.

De Ketele, Jean-Marie and Roegiers, Xavier Méthodologie du recueil d’informations: fondements des méthodes d’observation, de questionnaire, d’interview et d’étude de documents, Bruxelles: De Boeck, 2009.

Fenneteau, Hervé Enquête: entretien et questionnaire, Paris: Dunod, 2002.

Peyron, David “Culture Geek et participation : continuités, formes nouvelles et rapport à l’industrie culturelle”, link :

Singly, François de Le questionnaire, Paris: A. Colin, 2012.

Video Games

The Elder Scrolls

The Elder Scrolls II : Daggerfall, Bethesda Softwork, 1996

The Elder Scrolls III : Morrowind, Bethesda Game Studios, 2002

The Elder Scrolls IV : Oblivion, Bethesda Game Studios, 2006

The Elder Scrolls V : Skyrim, Bethesda Game Studios, 2011

The Elder Scrolls Online, Zenimax Online Studios, 2014

The Witcher

The Witcher, CD Projekt RED, 2007

The Witcher II : Assassins of Kings, CD Projekt RED, 2011


Fable, Big Blue Box, 2004

Fable II, Lionhead, 2008

Fable III, Lionhead, 2010


Myst, Cyan, Inc. 1993

Riven, Cyan, Inc. 1997

Myst III : Exile, Presto Studios, 2001

Uru : Ages Beyond Myst, Cyan Worlds, 2003

Myst IV : Revelation, Ubisoft, 2004

Myst V : End of Ages, Cyan Worlds, 2005

Nier, Cavia, 2010

Dishonored, Arkane Studios, 2012

Soul Sacrifice, Marvelous AQL – SCE Japan Studio – Comcept, 2013

1For example “Why Aren’t Teens Reading Like They Used To?” Link :

Anotger example “Should we be worried about the decline of children’s reading?” Link

4In this case, the words ‘hardcore players’ refer to players who invest some time on the game : they played more than 10 hours.

Calepin de notes en ligne « Penser la narrativité contemporaine »

Trouvaille du matin : le carnet Penser la narrativité contemporaine. Veille et documentation sur la théorie du récit et la littérature actuelle. Il s’agit du calepin de notes en ligne d’une équipe de recherche dirigée par René Audet (que je connais pour ma part parce qu’il a co-dirigé La Fiction, suites et variations, avec Richard Saint-Gelais) et Nicolas Xanthos, rattachée au CRILCQ (Centre de Recherche Interuniversitaire sur la Littérature et la Culture Québécoises) et à Figura (Centre de Recherche sur le Texte et l’Imaginaire, Université du Québec à Montréal).

Utiles sur ce calepin :

  • la veille des parutions, année par année, ainsi qu’une liste de sites de référence
  • sous l’onglet « Narrativité » : les activités de l’équipe (appels à comm, séminaires…)
    • des fiches lecture synthétiques (approche et méthode de l’auteur, définitions utilisées, insertion dans le champ de recherche) sur les « grands » de la théorie narrative, notamment Baroni, Genette, Rabatel, Ricoeur, etc.
    • un glossaire de notions (action, diégèse, fable, histoire…) avec, pour chacune d’elle, une mise au point définitionnelle et une liste de lectures.

De quoi se préparer tout un programme de mise au point/révisions et embrasser ces questions de théorie du récit d’un œil plus averti…

Dans mon corpus ? #1 Tonari no Seki-kun

Préambule !
J’inaugure une série de billets où je vais présenter des mangas ou des anime qui seront dans mon corpus et d’autres qui pourraient l’être. J’essaierai de montrer les raisons scientifiques et non-scientifiques qui m’amènent à parler de ces œuvres. Je ne sais pas quelle forme cela va prendre, je ne sais pas à quel point je m’autoriserai des digressions et je ne sais pas quel ton je vais adopter. Vous voilà prévenus, je peux maintenant démarrer l’esprit tranquille 🙂

Je vais donc commencer par une découverte assez récente avec l’anime Tonari no Seki-kun. Tonari no Seki-kun est l’adapation d’un manga du même nom publié dans le Comic Flapper, un mangashi mensuel relativement récent orienté seinen. Pour tout dire, j’ignorais l’existence de ce mangashi avant de rédiger ce billet, et je ne pense pas qu’on puisse m’en vouloir parce qu’il contient assez peu de gros titres (à part une suite de Cobra), en gros, ce n’est ni le Jump ni le Magazine.

De quoi ça parle ?

Seki est l’élève du fond de la classe qui ne suit jamais les cours, il passe son temps à bricoler et à s’inventer des histoires ce qui perturbe sa voisine Yokoi qui ne peut s’empêcher de regarder ce qu’il fabrique.

Quelle forme ça prend ?

Tonari no Seki-kun est un anime de format court, les épisodes durent environ 10 minutes (contre les 20-25 minutes habituelles). L’animation est très minimaliste (les mauvaises langues diraient très pauvre) il y a très peu de mouvements, peu de décors, peu de personnages, il y a même assez peu de dialogues car on entend finalement que les monologues intérieurs de Yokoi qui réagit aux bêtises de Seki qui lui est dans son monde et ne parle pas.

Mes impressions (personnelles et non scientifiques !)

Sur la forme l’anime paraît vraiment très cheap. Même son synopsis s’annonce assez peu engageant. Je m’attendais à des histoires d’école comme j’en ai vues des dizaines, mais finalement j’ai bien aimé parce qu’il me semble que le parti pris minimaliste à petit budget et sans prétention énorme me semble bien assumé, et je dirais même que ça change, ça donne une certaine forme d’originalité à l’anime.

Quel rapport avec ma thèse ? (Je rappelle que ma thèse porte sur la métaréflexivité dans le manga et l’anime)

Il y a un truc… un truc et demi !
Le premier saute aux yeux dès le générique d’ouverture :

(Je ne suis pas responsable de la qualité de la chanson !)

La deuxième moitié du générique montre Seki monter son propre anime, on voit le storyboard (qui contient les plans de la première moitié du générique), les dessins préparatoires sur la table lumineuse, puis la mise en forme digitale, Seki tend ensuite le script à Yokoi (les scripts ont ce format très caractéristique, en voici de nombreux exemples1) pour faire la prise de son et Yokoi prononce « yamete » (arrête). Ce « yamete » est intéressant car il traverse les niveaux de réflexivité.

  1. Il fait partie des paroles de la chanson utilisée pour le générique qui est interprétée par la doubleuse de Yokoi (ce qui amène une ambiguité que j’avais déjà repérée dans les chansons associées à Sayonara Zetsubou sensei : est-ce que c’est la doubleuse Kana Hanazawa qui chante ou est-ce le personnage de Yokoi ?2) Traduction ici pour les curieux téméraires.
  2. Il est prononcé au niveau intradiégétique par Yokoi qui demande à Seki de s’arrêter.
  3. Il est prononcé dans l’anime créé par Seki.

Ce qui a de l’intérêt pour ma thèse c’est la mise en abyme évidente mais aussi le fait que cela se produise dans le générique et pas dans l’histoire à proprement parler.

Pour mes recherches il me semble vraiment nécessaire de porter attention non pas seulement aux diégèses mais aussi à ce qui les entoure (génériques, omake, annonces « À suivre », voire jaquette des dvd etc). J’assimilerais ça très volontiers à du paratexte sauf qu’il s’agit d’un support audiovisuel donc il reste à voir si le terme tolère un usage plus large. Mais si je remplace juste le mot livre par le mot anime dans ce qui suit, il me semble que nous parlons de la même chose et des mêmes enjeux :

Le paratexte est donc pour nous ce par quoi un texte se fait livre et se propose comme tel à ses lecteurs, et plus généralement au public. Plus que d’une limite ou d’une frontière étanche, il s’agit ici d’un seuil, ou – mot de Borges à propos d’une préface – d’un « vestibule » qui offre à tout un chacun la possibilité d’entrer, ou de rebrousser chemin. « Zone indécise » entre le dedans et le dehors, elle-même sans limite rigoureuse, ni vers l’intérieur (le texte) ni vers l’extérieur (le discours du monde sur le texte), lisière, ou, comme disait Philippe Lejeune, « frange du texte imprimé qui, en réalité, commande toute la lecture ». Cette frange, en effet, toujours porteuse d’un commentaire auctorial, ou plus ou moins légitimé par l’auteur, constitue, entre texte et hors-texte, une zone non seulement de transition, mais de transaction : lieu privilégié d’une pragmatique et d’une stratégie, d’une action sur le public au service, bien ou mal compris et accompli, d’un meilleur accueil du texte et d’une lecture plus pertinente – plus pertinente, s’entend, aux yeux de l’auteur et de ses alliés.3

Si le paratexte m’intéresse, c’est parce que j’ai aussi remarqué que parfois les séries aux histoires très ancrées story telling trouvent dans ces paratextes l’occasion de prendre du recul sur elles-mêmes et ce n’est peut-être pas un hasard du fait de leur caractère transitif ; c’est une piste à explorer.

Et le 1/2 ?

Je disais qu’il y avait une chose et demie qui pouvait avoir de l’intérêt pour ma thèse dans Tonari no Seki-kun, cet à moitié ce sont les récits enchâssés. Les jeux de Seki sont observés par Yokoi et elle en tire des histoires, il y a donc deux niveaux de récits (c’est peu mais c’est présent), celui où Yokoi et Seki sont personnages et celui où Seki et Yokoi inventent des histoires et des personnages. On est dans le cas du récit dans le récit, ce n’est pas métaréflexif mais je trouve ça quand même intéressant.

Thèse, hypothèse, synthèse.

Avant de commencer ce billet je m’attendais à produire un texte infiniment plus court. Dans ma tête je voyais quelque chose du genre :

Tonari no Seki-kun = générique métaréflexif alors que série pas tellement à part les récits enchâssés peut-être.

Pour être très franc si cet anime apparaît dans ma thèse ce sera très furtivement et je me rends compte que pour en parler il m’a fallu deux-trois pages (et quelques jours de décantation), ce qui me fait craindre le pire quand le moment viendra d’aborder les œuvres solides de mon corpus !

Je termine en répétant que cette rubrique est un test, j’espère la poursuivre assez longtemps pour la raffiner, mais en attendant elle est telle qu’elle est.
Tant que j’y suis, si vous voulez me contacter, vous pouvez le faire via mon compte twitter : @nperezprada qui est le compte twitter de mon don Diego de la Vega, je cache mon compte Zorro pour avoir l’air plus sérieux, mais ironiquement mon vrai compte n’est pas celui avec mon vrai nom, ce qui fait que celui avec mon vrai nom est désertique, j’essaie de lui donner de la consistance par ce biais veuillez m’en excuser !

1. Note pour moi-même : la première fois que j’ai vu des scripts d’anime, c’était dans des omake de Naruto Shippuuden. On voyait les personnages dans un studio d’enregistrement qui tenaient les scripts comme s’ils étaient des seiyuu et maintenant que j’y pense, je devrais vraiment en parler quelque part dans ma thèse (et donc faire un billet à ce sujet !)

2. Peut-être que les plus terre-à-terre préfèreront la formulation « Kana Hanazawa jouant Yokoi chantant la chanson ».

3. Gérard Genette, Seuils

Un billet utile : « La thèse et l’après-thèse. Bien démarrer l’année et son doctorat »

423px-Trompe_loeil_livres1Le site « Les aspects concrets de la thèse«  propose ici un billet sur la manière d’envisager, dès la première année, le travail de thèse et de valorisation du doctorat, notamment par la création de relations et de réseaux essentiels à l’intégration post-thèse dans les cercles de recherche visés, mais aussi par des conseils sur l’écriture de la thèse, la préparation de la soutenance ou encore l’insertion professionnelle en post-doc, ATER, etc.

Un billet qui permet de remettre en perspective le travail que nous menons chaque jour, le nez trop souvent collé au guidon, ce qui fait parfois perdre de vue certaines perspectives de long terme pourtant essentielles – et même stimulantes !

De façon générale, un site très utile, proposant conseils, méthodes et ressources pour le côté « concret » (= mettre les mains dans le cambouis) de la thèse.

Sur les traces du Projet de Thèse

Rédiger son projet de thèse : voilà une tâche susceptible de causer aussi bien de fiévreux frissons d’excitation que des suées d’angoisse poisseuse, alternance passionnante qui finit souvent par favoriser largement le deuxième terme de l’équation à mesure qu’on se rapproche de la date de rendu…


Car il est vrai qu’à la lisière de ce pays touffu et mystérieux qu’est la lande des doctorants, on peine parfois à distinguer une porte d’entrée et, même lorsqu’on tombe sur un passage moussu qui creuse une brèche dans les broussailles et s’enfonce dans le Pays de la Thèse, il n’est pas aisé de s’y diriger en toute connaissance de cause. Armé d’un solide projet de thèse, certains valeureux y pénètrent en sifflotant, crânant un peu. D’autres tremblent vaguement sur leurs pieds malhabiles, incertains du mode d’emploi.

C’est parce qu’il n’y en a pas vraiment ! En quête de « règles » à respecter, ou tout du moins de consignes pour guider sa plume de chercheur débutant, l’aspirant doctorant en est souvent réduit à zoner sans espoir sur la Toile pour y dégoter quelque vieux projet de thèse abandonné susceptible de lui fournir un bien pauvre modèle. Ou bien il se tourne vers son gourou personnel (le directeur de thèse), osant rarement d’ailleurs poser ses questions avec une franchise qui lui permettrait vraiment de lever toutes les brumes, et se trouve fort dépourvu quand l’heure de rédiger est venue. Quand il n’est pas esseulé, l’aspirant doctorant est fréquemment amené à partager ses peines et ses doutes avec des congénères de son espèce. De ces discussions, supputations, comparaisons, recoupements, hypothèses et déductions naît progressivement l’idée floue, mais de plus en plus consistante, de l’allure générale du Projet de Thèse. Création mentale  par moments quasi fantasmatique (moments de fatigue hébétée à la rédaction d’une énième version…), le Projet de Thèse est le fruit d’une nécessaire maturation solitaire et collective ; mais il gagnerait d’emblée à bénéficier des conseils d’anciens combattants.

Dans cette idée de partage des expériences, je mets ici en ligne deux versions de mon propre projet de thèse, qui n’ont pas la prétention d’être parfaites, mais seulement d’être disponibles à qui en aurait besoin et d’être assorties d’un « service après-vente » : en effet, je répondrai volontiers à toute question à laquelle je pense pouvoir apporter une réponse valable. Un autre billet devrait d’ailleurs suivre, détaillant davantage les difficultés auxquelles j’ai pu être confrontée personnellement lors de l’élaboration du projet, les solutions que j’y ai apportées, et d’autres petites choses de ce genre.

La première de ces deux versions est le projet de thèse que j’ai présenté à l’Ecole normale supérieure de la rue d’Ulm où j’ai postulé et obtenu une allocation de thèse en juin 2013.

La deuxième version était destinée à l’université de Limoges, où je suis aujourd’hui inscrite en thèse, au cas où ma  candidature à l’ENS aurait été rejetée.

Je précise ces points car le contenu, la présentation et la longueur d’un projet de thèse dépendent largement des habitudes et des codes propres à chaque institution. Sur ce point, à vous de vous renseigner !

Bonne lecture !

HUZ-Projet ENS 2013

HUZ-Projet Limoges 2013

Corpus : essai de représentation graphique

L’année dernière, pendant la période de préparation du projet de thèse, j’ai cogité, lu (beaucoup lu), pour arriver progressivement, par intuitions, restrictions et tâtonnements successifs, à circonscrire un sujet : l’intermédialité dans la science-fiction française de 1973 à 1998.
Les bornes chronologiques posées correspondent à des moments remarquables de l’évolution de la structure médiatique de la science-fiction dans le domaine français :

  • milieu des années 1970 : naissance de Métal Hurlant (magazine de bandes dessinées de science-fiction « réservé aux adultes ») et implications liées en termes d’évolution du langage graphique, du statut culturel et de l’influence transmédiatique et transnationale de la bande-dessinée
  • fin des années 1990 : avant le développement massif de l’Internet grand public et haut débit (=> fictions hypertextuelles, univers fictionnels persistants et partagés en ligne, etc.) dans un souci d’homogénéité des phénomènes étudiés

Cependant, les dates de 1973 et 1998 correspondent plus précisément à la parution de deux œuvres qui ouvrent et closent le corpus.

L’épineuse question du corpus…
J’ai passé un certain temps à recenser, rapprocher, exclure aussi, des œuvres susceptibles de servir d’appui et de matériau à ma réflexion sur l’intermédialité dans la science-fiction française.
Un critère s’est bientôt imposé comme condition essentielle à l’établissement d’un corpus

  • raisonnable (en termes de taille et d’ampleur du travail d’analyse à fournir)
  • cohérent (sur le plan des logiques d’inclusion des œuvres dans le corpus et de leur apport potentiel au sujet traité)
  • organisé (ou plutôt organisable, hiérarchisable)

J’ai ainsi choisi de travailler sur un corpus organisé par ensembles transmédiatiques, comme le sujet retenu y invitait d’ailleurs presque naturellement. C’est-à-dire que j’ai retenu un certain nombre de groupes ou de « massifs » d’œuvres appartenant à des médias différents mais caractérisées par une parenté (serrée ou lâche) sur le plan des contenus fictionnels construits (diégèse, personnage, objets, univers, etc.). Certains de ces ensembles se caractérisent par une dynamique (plutôt classique) d’adaptation, d’autres par des processus de création et de valorisation financière concertés relevant davantage des stratégies transmedia à l’œuvre dans les industries culturelles de l’audiovisuel – stratégies largement étudiées pour le domaine américain (qu’en est-il d’une étude sur la présence de ces logiques commerciales sur le marché de la science-fiction français ?).

D’autres critères sont venus s’ajouter pour parfaire l’établissement du corpus (et mettre de côté certains objets transmédiatiques intéressants, mais mineurs au regard des problématiques posées) :

  • la diversité des médias étudiés, qui doit permettre l’appréhension la plus large possible du phénomène intermédiatique, sans exclure d’emblée, par principe, certains supports. Mon étude portera ainsi à la fois sur des livres, des bandes dessinées, des films, des films d’animation et des jeux vidéo.
  • la diversité des chronologies internes des ensembles : certains ensembles transmédiatiques retenus se caractérisent ainsi par des dates de parution très rapprochées ou au contraire étalées dans le temps, par une concentration massive des productions à une période donnée précédant une relative clôture de l’ensemble, ou au contraire par un enrichissement régulier et encore actif aujourd’hui des données fictionnelles. On note aussi une grande variété dans la durée qui sépare l’œuvre source (nommée comme telle de façon nécessairement rétrospective) et la ou les œuvres ultérieure(s) imprimant à l’ensemble sa dimension intermédiatique.

Compte tenu de toutes ces exigences à la fois méthodologiques et intellectuelles, j’ai pu constituer le corpus suivant, organisé par ensembles transmédiatiques et par ordre chronologique.
Le type de média mis en jeu est indiqué entre crochets après le titre de l’œuvre.

Je précise qu’il s’agit là d’un état avancé de ma réflexion sur le corpus. Ce dernier, déjà conséquent, ne devrait pas voir s’ajouter d’autres massifs intermédiatiques importants, si ce n’est au titre d’éléments du corpus secondaire (étudié moins en profondeur) susceptibles de nourrir la réflexion en la contextualisant davantage (par exemple toute l’œuvre de Druillet autour de Salammbô n’apparaît pas ici, alors que cet objet servira également de matériau au travail de thèse).


Oms en série
WUL, Stefan, Oms en série [livre], Fleuve noir, coll. « Anticipation », 1957.
LALOUX, René et TOPOR, Roland, La Planète sauvage [anim.], France/Tchécoslovaquie, Les films Armorial/Československý Filmexport, 1973, 72 min.
MORVAN, Jean-David (scén.) et HAWTHORNE, Mike (dess.), Oms en série [BD], Ankama Éditions, coll. « Les univers de Stefan Wul », 2012.

MOEBIUS, Arzach [BD], Les Humanoïdes associés, 1996. 1re publication dans Métal Hurlant, Les Humanoïdes associés : « Arzach », n° 1, 1975, p. 17-24, 8 pl. ; « Harzak », n° 2, 1975, p. 19-26, 8 pl. ; « Harzack », n° 3, 1975, p. 6-7, 2 pl. ; « Arzak », n° 4, 1975, p. 19-26, 8 pl. ; « Harzakc », n° 5, 1976, p. 59-66, 8 pl. ; « Arrzak », n° 0 (quinzomadaire), 1980, p. 44-47, 4 pl. inédites, épisode inachevé.
MOEBIUS, Starwatchers [recueil d’illustrations], Aedana, 1986.
MOEBIUS (réal. et conception), Starwatcher [film], Videosystem, 1991, projet non-abouti de long-métrage en images de synthèse 3D, réalisation d’un pilote.
MOEBIUS, Arzak : destination Tassili, éditions Stardom, 2009. Réédition grand format en couleur : Arzak l’Arpenteur, t. I, Glénat, 2010.
MOEBIUS (réal., scén. et dess.), Arzach Rhapsody [mini-série TV], France, Wolfland Pictures/Carrère Group/France 2, 14 épisodes de 3 min. 40 s., 2003.

BILAL, Enki, cycle Nikopol [BD] :
La Foire aux immortels, t. I, Les Humanoïdes associés, 1980
La Femme piège, t. II, Dargaud, 1986
Froid équateur, t. III, Les Humanoïdes associés, 1992
BILAL, Enki (réal.) et LEHMAN, Serge (scén. et adapt.), Immortel, ad vitam [film], France, 2004, 98 min.
BILAL, Enki (dir.), Nikopol : La Foire aux immortels [jeu vidéo], Windows, France, White Birds Productions, 2008.

Les Maîtres du temps
WUL, Stefan, L’Orphelin de Perdide, Fleuve noir, coll. « Anticipation », 1958.
LALOUX, René (réal.) et MOEBIUS (scén. et dess.), Les Maîtres du temps [anim.], France/Hongrie, Étienne Laroche, 1982, 78 min.
LALOUX, René (scén.) et MOEBIUS (dess.), Les Maîtres du temps. La bande dessinée du film [BD], Les Humanoïdes associés, 1982.
CASOAR, Phil, JEUNET, Jean-Pierre et IGWAL, André, Les Maîtres du temps. Le livre du film ! [livre], Les Humanoïdes associés, 1982.

ANDREVON, Jean-Pierre, illustration de couverture pour le projet de bande-dessinée Les Hommes-machine à Gandahar. Une aventure de Sylvin Lanvère, 1968. Disponible sur le site NooSFere [En ligne], 1999, <> : <> (23/02/2013).
–, Les Hommes-machines contre Gandahar [livre], Denoël, coll. « Présence du Futur », 1969.
LALOUX, René (réal.) et CAZA, Philippe (dess.), Gandahar. Les années-lumière [anim.], France, Léon Zuratas, 1988, 83 min.
ANDREVON, Jean-Pierre, Sylvin Lanvère, Airelle, Un homme-machine, Le Sorn [ill.], dessins préparatoires pour le film d’animation Gandahar, 1973. Disponibles sur NooSFere [En ligne], déjà cité : <> (23/02/2013).
CAZA, Philippe, études préparatoires pour le film d’animation Gandahar, s. n., s. d. Disponibles sur NooSFere [En ligne], déjà cité : <> (23/02/2013).
ANDREVON, Jean-Pierre, cycle Gandahar [livre]
Gandahar et l’oiseau-monde, t. II, Hachette Jeunesse, coll. « Vertige S-F », 1997.
Les Portes de Gandahar, t. III, Hachette Jeunesse, coll. « Vertige S-F », 1999.
Cap sur Gandahar, t. IV, Denoël, coll. « Présence du futur », 1999.
Les Rebelles de Gandahar, t. V, Mango Jeunesse, coll. « Autres mondes », 2002.
L’Exilé de Gandahar, t. VI, Mango Jeunesse, coll. « Autres Mondes », 2005.
CAZA, Philippe, illustrations de couverture des romans du cycle Gandahar, s. n., même date de parution que les romans.
–, Rough 1 : L’épisode du Sorn, Rough 2 : Gros plan sur l’énigmatique Athna, Rough 3 : Athna et ses animators [ill.], roughs pour l’illustration de couverture des Rebelles de Gandahar, s. d. Disponibles sur NooSFere [En ligne], déjà cité : <> (23/02/2013).
JUBO, projet d’adaptation de Cap sur Gandahar sous forme d’une série de bandes-dessinées, présenté sur Gandahar. Présentation d’un projet en bande-dessinée développant l’univers des romans [En ligne], 2010, <> (23/02/2013).

Les Guerriers du silence
BORDAGE, Pierre, cycle Les Guerriers du silence [livre], Nantes, L’Atalante, coll. « Bibliothèque de l’évasion » :
Les Guerriers du silence, t. I, 1993
Terra Mater, t. II, 1994
La Citadelle Hyponéros, t. III, 1995
ALGÉSIRAS (scén.) et OGAKI, Philippe (dess.), cycle Les Guerriers du silence [BD], Delcourt
Point Rouge, t. I, 2005
La Marchandhomme, t. II, 2006
Le Fou des montagnes, t. III, 2007
Le Tombeau Absourate, t. IV, 2008
BERJAUD, Yoann, cycle Les Derniers Guerriers du silence [livre], Le Chant premier, t. I, Mnémos, coll. « Dédales », mai 2012, roman se situant dans l’univers des Guerriers du silence.
BORDAGE, Pierre, Le Pacte. Préambule aux Guerriers du silence [livre], Nantes, L’Atalante, 12 nov. 2012, nouvelle inédite publiée exclusivement sous format numérique gratuit.

D’Atlantis à Kaena, les novellisations de Bordage
HERBULOT, Rémi (dir.), Atlantis, secrets d’un monde oublié [jeu vidéo], Windows/Mac/Playstation/Saturn, France, Cryo Interactive, 1997.
BORDAGE, Pierre, Atlantis, les fils du rayon d’or. Naissance d’un univers [livre], J’ai Lu/, 1998, format papier et numérique.
BORDAGE, Pierre, Kaena, la prophétie [livre], Mango, coll. « Autres Mondes », 2003.
DELAPORTE, Chris et PINON, Pascal (réal.), Kaena, la prophétie [anim.], France/Canada, Chaman Productions/Xilam Films/Studio Canal/TVA International, 2003, 88 min.


Il ressort de tout cela que j’ai eu besoin, pour appréhender la totalité de ce corpus, pour en dérouler la matière dans le temps, donc tout simplement pour en visualiser les contenus, d’en trouver une représentation graphique. J’ai opté, comme vous le voyez ci-dessous, pour une représentation en nuage de points dont l’axe des abscisses indique la date et l’axe des ordonnées l’appartenance à un ensemble médiatique (une même ordonnée rassemble toutes les œuvres d’un même ensemble).

Et voilà ce que ça donne !

Corpus graphique avec légendes Avec points légendés

Corpus graphique sans légendesEt sans légendes !

NB : Les trois premiers points bleus sont, du point de vue de la chronologie, hors corpus, puisque l’étude commence en 1973 : en réalité, les bornes chronologiques retenues correspondent à la naissance d’un ensemble transmédiatique, c’est-à-dire à la date à laquelle une œuvre singulière devient le noyau d’un massif plurimédiatique en donnant lieu à une adaptation, à un prolongement transfictionnel, etc. C’est le « moment intermédiatique » des ensembles science-fictionnels qui me sert ici de métronome.

On y voit tout de même un peu mieux maintenant…

Quelques questions demeurent pourtant et me taraudent :

  • pour quel classement médiatique opter ? La distinction livre papier / livre numérique renvoie dans tous les cas à des œuvres de littérature écrite (du texte au sens strict) mais qui se consomment sur des supports différents (volume papier / écran d’e-book, de tablette ou d’ordinateur). En revanche, la bande dessinée renvoie à un support similaire au livre papier par le matériau utilisé et le mode de consommation (lecture livre ou album « entre les mains »), alors que si on la considère comme médium, c’est un langage à part entière (une « espèce narrative à dominante visuelle » selon T. Groensteen), qui n’a rien à voir avec le cinéma ou le théâtre par exemple. D’où une piste qu’il me faudra creuser (et avis aux commentaires, tous bienvenus) : comment élaborer une classification typologique rigoureuse et fonctionnelle des médias pour l’organisation de mon corpus ?
  • autres investigations à mener : l’analyse des relations transculturelles entre marché du livre pour la jeunesse et édition pour adulte (et leurs croisements dans certains cycles romanesques comme Gandahar) ; une étude de la titrologie et des transferts/mutations/réécritures des titres survenant à l’occasion d’une adaptation transmédiatique, d’une condensation ou d’un développement du contenu diégétique liés aux contraintes du médium (ex : le premier tome des Guerriers du silence de Bordage donnant lieu à 4 albums BD) ; etc.

Bibliographie critique sur la bande dessinée

Partageons nos bibliosOLYMPUS DIGITAL CAMERA ! Voilà le mot d’ordre du jour. Car une biblio, c’est long à faire, souvent pénible, très souvent ingrat, et ça repose parfois sur de petites trouvailles imprévues, glanées sur la toile ou dans les listes bibliographiques des bouquins, bref, c’est le fruit d’un réel travail  et, quand bien même ce n’est pas parfait, c’est toujours cela de gagné pour le prochain.

Dans cet esprit de partage des ressources, d’efficacité collective et de mutualisation des bonnes idées, voici ma bibliographique critique provisoire sur la bande dessinée.

Vous y trouverez à la fois des ouvrages théoriques s’attachant à l’étude systématique de la bande dessinée comme langage, comme médium spécifique, et des approches historiques (toujours bien pour faire le point), que ce soit sur les naissances de la BD ou ses mutations les plus récentes en régime numérique.

Je suis loin d’avoir tout lu et même tout feuilleté ! J’attends commentaires, critiques, rectifications, etc. Avec cette petite précision : j’ai privilégié les approches globales (donc pas d’articles ou d’ouvrages traitant spécifiquement d’un courant, d’une oeuvre ou d’un auteur – comme on en trouve des tas sur Hergé par exemple).

J’en profite pour lancer un appel : je travaille notamment sur l’œuvre d’Enki Bilal et la critique est particulièrement étique sur le sujet… Si les entretiens, les documentaires, les articles promus par amateurs et journalistes plus ou moins spécialisés pullulent sur le net, point d’ouvrage académique ni de travail universitaire ! Détrompez-moi si je me fourvoie…

Voici donc l’état premier de cette bibliographie destinée à être complétée collectivement. Bonne lecture !

Ouvrages et articles :

Baetens, Jan et Lefèvre, Pascal, Pour une lecture moderne de la bande dessinée, Bruxelles, CBBD, 1993.

Baetens, Jan et Gabilliet, Jean-Paul (dir.), Fantastique et bande dessinée, revue Otrante. Art et littérature fantastique, n° 13, Paris, Kimé, 2003.

Berthou, Benoît (dir.), Adaptations : une certaine littérature, dossier sur le site du9, l’autre bande dessinée, disponible en ligne, URL (22 janvier 2010) :

Berthou, Benoît, « La bande dessinée franco-belge : quelle industrie culturelle ? », Textyles, n° 36, juin 2010.

Boudissa, M., La Bande dessinée, entre la page et l’écran : Étude critique des enjeux théoriques liés au renouvellement du langage bédéique sous influence numérique, thèse en esthétique, sciences et technologie des arts, Université Paris VIII – Vincennes à Saint-Denis, 2010.

Chavanne, Renaud, Composition de la bande dessinée, Montrouge, PLG, 2010.

Eisner, Will, Les Clés de la bande dessinée, 1. L’art séquentiel, Paris, Delcourt, 2009.

Groensteen, Thierry, L’Univers des mangas. Une introduction à la bande dessinée japonaise [1991], Tournai, Casterman, édition augmentée, 1996.

Groensteen, Thierry, Système de la bande dessinée, Paris, PUF, coll. « Formes sémiotiques », 1999.

Groensteen, Thierry, La Bande dessinée : une littérature graphique, Toulouse, E. Milan, 2005.

Groensteen, Thierry, Un objet culturel non identifié, Angoulême, L’An 2, 2006.

Groensteen, Thierry, La Bande dessinée, mode d’emploi, Les Impressions nouvelles, 2008.

Groensteen, Thierry, La Bande dessinée, son histoire et ses maîtres, Paris, Skira Flammarion, 2009.

Groensteen, Thierry, Bande dessinée et narration. Système de la bande dessinée vol. 2, Paris, PUF, coll. « Formes sémiotiques », 2011.

Groensteen, Thierry et Ciment, Gilles (dir.), 100 Cases de maîtres. Un art graphique, la bande dessinée, Paris, La Martinière, 2010.

McCloud, Scott, L’Art invisible, Paris, Vertige Graphic, 1999.

McCloud, Scott, Réinventer la bande dessinée, Paris, Vertige Graphic, 2002.

Maigret, Éric & Stefanelli, Matteo, La Bande dessinée : une médiaculture, Armand Colin & INA Éditions, coll. « Médiacultures », 2012.

Menu, Jean-Christophe, Plate-Bandes, Paris, L’Association, 2005.

Menu, Jean-Christophe, La Bande dessinée et son double, Paris, L’Association, 2005.

Morgan, Harry, Principes des littératures dessinées, Angoulême, L’An 2, 2003.

Peeters, Benoît, Lire la bande dessinée, Paris, Flammarion, coll. « Champs », 2010.

Peeters, Benoît & Schuiten, François, L’Aventure des images : de la bande dessinée au multimédia, Paris, Autrement, 1996.

Rey, Alain, Les Spectres de la bande, Paris, Minuit, 1978.

Smolderen, Thierry, Naissances de la bande dessinée: de William Hogarth à Winsor McCay, Bruxelles, les Impressions nouvelles, 2009, 144 p.

Smolderen, Thierry, « Trois formes de pages », Neuvième Art, n° 13, janvier 2007, p. 20-31.

En ligne :

Interdisciplinary Comics Studies (dir. Jan Baetens) :

Neuvième art 2.0. (revue en ligne de la Cité internationale de la bande dessinée et de l’image, dir. T. Groensteen) :

du9, l’autre bande dessinée :

Comicalités – Études de culture graphique (dir. Benoît Berthou) :

Image and narrative :

European Comic Art :

Science-fiction & bande dessinée francophone

Si vous vous intéressez à la question et que vous recherchez, comme je l’ai moi-même fait (notamment durant la délicate période de rédaction du projet de thèse…), une synthèse sur la bande dessinée francophone de science-fiction, de ses premiers pas à ses réalisations les plus récentes, voici un site édifiant : Phylacterium – Réflexions sur la bande-dessinée.

Vous trouverez ici une série d’articles développant avec une grande clarté et une connaissance approfondie du sujet l’histoire de ces objets au croisement BD/SF – histoire de jongler avec les sigles… – depuis les années 1930 jusqu’aux années 2000. Un article par décennie, et à chaque fois le choix de deux ou trois exemples marquants pour l’évolution du genre.


On se lance avec passion dans ce périple qui nous mène du Rayon mystérieux de Saint-Ogan, représentatif de l’entrée (encore rare) des dessinateurs français sur un nouveau créneau, la science-fiction graphique, à la suite de l’arrivée massive des comics américains en France dans les années 1930, jusqu’aux réinterprétations les plus récentes des codes traditionnels du genre (Lupus, Frederik Peeters, 2003-2006), en nous faisant passer par l’avènement, en bande-dessinée, d’une école française du récit d’aventure adaptant les normes graphiques, narratives et idéolog250px-Metal_Hurlant_1iques américaines à la culture française (Les Pionniers de l’Espérance, années 1940), par l’entrée de la bande-dessinée dans la culture adulte à travers l’appropriation des thèmes et des imaginaires de la science-fiction (Barbarella, années 1960), ou encore par la révolution Métal Hurlant (1975) qui conduit à des expérimentations narratives, graphiques et symboliques renouvelant les possibilités de la bande dessinée et permettant l’émergence d’une nouvelle imagerie de la science-fiction.

Il ne s’agit là que de quelques aperçus destinés à vous donner l’envie d’aller y voir de plus près…