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Genèse du poster. Partie 3 : l’édition vidéo.

Comme je travaille sur du média audio-visuel j’étais parfois en difficulté pour représenter de manière figée et muette ce qui aurait été beaucoup plus net à l’écran. C’est ainsi que j’ai transformé ceci :NPP powerpoint Mans - copie 2.012En ceci :

Et ceci :

NPP powerpoint Mans - copie 2.014En ceci :

On m’a demandé comment j’avais fait, je vais donc faire un petit tuto de Final Cut Pro, seulement sur Mac par conséquent… Pour les utilisateurs de Windows, je recommande plutôt de se tourner vers Adode Premiere et Adobe After Effect, ou bien Sony Vegas Pro, mais je n’ai jamais touché à ceux-là donc je ne suis pas en mesure de donner plus de conseils.

1. L’acquisition des vidéos

Pour les captures du jeu, j’ai utilisé :
openemu OpenEmu pour l’émulation du jeu (OS X uniquement)

qt Quicktime X intégré à OS X pour enregistrer l’écran (Fraps sous Windows)

hb2 Handbrake pour convertir les vidéos et les alléger (qui lui est multiplateforme)

Il est très simple d’enregistrer l’écran avec Quiktime, et finalement on obtient souvent un meilleur résultat qu’avec d’autres solutions du type Screenflow :

Capture d'écran 2014-06-26 20.30.15

2. Les choses sérieuses avec FCP

Pour donner une idée, ma première vidéo ressemble à ça dans ma timeline FCP (remarquez comme elle ressemble à la première diapo !) :
Capture d'écran 2014-06-24 03.53.23C’est un peu le fouillis comparé à la deuxième vidéo qui était beaucoup plus simple à monter :
Capture d'écran 2014-06-24 03.56.56Du coup j’ajoute une version annotée pour expliquer la première timeline :

Capture d'écran 2014-06-24 03.53.23 - copieEt j’ai fait une petite démonstration vidéo (avec en guest star ma petite Midna), je n’ai pas pris la peine de parler par-dessus pour expliquer mes gestes, il suffit vraiment juste de les reproduire et au pire, je peux toujours répondre aux commentaires s’il y en a !

Je vais juste finir en donnant deux raccourcis utiles quand on débute (plus que moi) :

  • B pour l’outil lame de rasoir qui sans surprise permet de couper les clips mais sachez que la manœuvre n’est pas destructrice, on peut ré-allonger un morceau qui avait été coupé, ce qui peut se montrer très utile quand on doit synchroniser plusieurs clips comme j’ai eu à le faire. (On coupe au moment à synchroniser sur les vidéos, on cale, on rallonge).
  • A qui permet de sélectionner les clips

Avec ces deux raccourcis basiques, on peut déjà commencer à faire des montages intéressants.

Genèse du poster. Partie 2 : du poster à la communication orale.

NPP powerpoint Mans - copie 2.0021. Le powerpoint et la communication

1.1 La mise en forme

J’ai fait le choix de faire ma présentation avec le template qui obéit à la charte graphique de mon université (très corporate !), ce qui a plusieurs avantages : on ne perd pas du temps à se casser la tête sur un design et ça fait plus sérieux. Autant vous dire que lorsqu’on parle d’anime et de Pokémon face à un parterre d’universitaires, c’est toujours bon à prendre !

Je préfère faire mes présentations non pas avec Mircosoft Powerpoint, ni avec les solutions open/libre office, mais avec Keynote sur Mac. Si jamais vous étiez obligé d’utiliser une autre machine que la vôtre faites des tests pour vous assurer de la compatibilité.

Je vais maintenant décortiquer ce que j’ai fait pour essayer de vous donner des astuces.
Je suis de ceux qui pensent qu’il faut quasiment jouer sur le subliminal quand on fait une présentation visuelle. Je vous conseillerais d’essayer de faire en sorte que vos transitions et vos animations servent à la compréhension de votre objet, par exemple avec des transitions de droite à gauche pour mimer le défilement d’une page. Cependant veillez à ce que ces transitions soient discrètes (le mieux serait que les gens les voient mais les oublient) car si vous en abusez cela pourrait donner l’impression d’un gadget et l’attention du public pourrait se porter sur elles et non sur ce qu’elles sont censées mettre en valeur. Vous ne voulez pas que votre présentation ressemble à ça :

Des exemples de bidouilles que j’ai utilisées :
Comme je manipulais des images tirées d’anime et d’un jeu, j’ai essayé de les différencier par de petits effets. Par exemple, j’ai systématiquement appliqué un effet de reflet aux captures d’anime pour les différencier du jeu, comme c’est le cas ici :

NPP powerpoint Mans - copie 2.014Je me suis servi des animations quand je parlais d’expansion médiatique pour tenter de rendre mon propos plus vivant et plus instantané à l’esprit :

J’en profite aussi pour dire que j’ai utilisé dans ce cas un schéma simplifié, si j’avais voulu être précis j’aurais dû montrer en plus qu’il y avait des interconnexions entre les extensions mais il me semble que l’on doit aller à l’essentiel dans ce genre d’exercice, c’est aussi ce que j’ai fait là :
NPP powerpoint Mans - copie 2.011
Tout le monde devine bien que la réalité est plus complexe que ce schéma, je me suis simplement servi de ce diagramme comme appui pour souligner la complexité de la chose, à mes yeux, c’est ce qui comptait. Même si vous parlez devant des spécialistes qui sont tout à fait à même de comprendre les subtilités de ce que vous dites, ce sont aussi des êtres humains, qui ont peut-être mal dormi, voyagé dans des conditions difficiles, qui ont faim, qui checkent leurs mails et qui n’ont peut-être tout simplement pas envie d’écouter ce que vous avez à leur dire. Essayez de capter leur attention et essayez d’aller à l’essentiel. Je ne suis pas sûr d’avoir complétement réussi moi-même mais c’est l’objectif à atteindre !

1.2. Le discours qui accompagne votre présentation

phd012113s Je ne vais pas vous donner des conseils pour vous débarrasser du stress, puisque j’en suis moi-même incapable, je ne vais pas vous dire non plus de bien caler votre voix puisque j’en suis incapable également. Je vais essayer plutôt d’attirer votre attention sur l’oralité de l’exercice.
Il y a un certain paradoxe dans les exercices oraux, on attend de vous que vous parliez tranquillement en regardant votre auditoire pour délivrer une parole d’expert comme si vous étiez venu là les mains dans les poches. Sauf que votre temps de parole est plus ou moins strictement chronométré et que la plupart du temps le colloque prend du retard, alors on vous demande de vous presser, ce qui ne laisse au final que très peu de place à l’improvisation.
En gros, vous devez avoir écrit votre discours (tout le monde attend de vous que vous veniez préparé), mais en même temps tout le monde voudrait que vous parliez comme si tout sortait immédiatement et avec maîtrise de votre tête. Pour obtenir ce résultat vous devez donc mémoriser un minimum ce que vous vous apprêtez à dire sans donner l’impression de la récitation par cœur, autrement dit, jouez la comédie.
Vous pouvez bien sûr venir avec des notes sur des feuilles volantes, je préfère personnellement intégrer mes notes à ma présentation, ce qui permet plus de contrôle, l’inconvénient étant que vous devez être sûr de vous pour la configuration des écrans, ce serait dommage que le public démasque l’artifice et voit vos notes avant que vous les prononciez avec un naturel qui force le respect :
Capture d'écran 2014-06-26 18.57.42Encore une fois, je ne prétends pas avoir les solutions miracles pour produire un exposé oral exceptionnel, mais j’ai quand même ma petite combine (qui a aussi ses défauts). J’essaie d’écrire mon discours en dernier, avant de l’écrire vraiment, je le prononce (devant mon amie pour avoir un retour) en l’improvisant. Cela me permet de me caler sur le temps imposé (voir où je dois m’attarder et où je dois accélérer), de faire des phrases orales qui n’empruntent pas les circonvolutions qu’on pourrait leur donner à l’écrit et d’apporter des retouches à la présentation pour qu’elle colle mieux aux paroles. Ça permet aussi de sentir ce qu’on peut dire et ce qu’on ne peut pas dire et éventuellement d’éliminer des difficultés. Par exemple lors de mon premier essai j’ai buté sur la prononciation de “transtextualité”, c’est un mot que je lis souvent, que j’écris souvent, mais que je prononce bizarrement assez peu avec mon entourage (!) et je me suis surpris à avoir du mal à le prononcer. En sachant que je serais plus que susceptible de bafouiller à cause du stress, j’ai travaillé ma prononciation du mot.

Une fois que j’ai prononcé mon discours je le transcris plus que je ne l’écris pour conserver le ton de l’oralité et caler l’enchaînement des paroles avec l’enchaînement des diapos, et c’est là que je bricole pour insérer des morceaux qui doivent être absolument écrits pour rester précis.

Mais cette technique a un défaut, ma directrice m’a fait remarquer que lors de mon exposé j’avais un tic de langage, j’ai dit plusieurs fois “ce que je voudrais vous faire remarquer” que j’ai en effet dit puis recopié sans m’apercevoir de la répétition qui passait bien quand je la prononçais candidement.

En résumé, je fais un brouillon oral, je le recopie et je le répète comme on répète une pièce. Comme ça, le jour J même si je dois lire très exactement mes notes elles auront au moins l’avantage de ne pas (trop) prendre l’allure d’un texte lu.

Genèse du poster. Partie 1 : de l’appel à comm’ au poster.

Hélène, Aurélie et moi avons participé au colloque “Mondes possibles, mondes numériques : enjeux et modalité de l’immersion fictionnelle” qui s’est déroulé du 18 au 20 juin 2014 à l’université du Maine.

Je fais ce billet pour donner mes conseils de débutant à d’autres débutants, je ne prétends pas donner une méthode parfaite, tout au plus un coup de pouce.

1. L’appel à communication

Appel-page1Bon, avant toute chose il faut répondre à l’appel à communication. Pour ma part, je travaille sur la réflexivité dans le manga et l’anime, donc il me fallait trouver un biais pour parler de ma thèse dans le cadre de ce colloque sans qu’il tombe comme un cheveu sur la soupe. J’ai donc cherché dans mon corpus un exemple qui répondrait à certaines des pistes proposées par l’appel :

– représentations de l’expérience des mondes ludiques dans la littérature, et symétriquement, modes de présence des mondes littéraires quand ils font l’objet d’adaptations ludiques ;
– multiplication des expériences « transmedia » et « crossmedia » autour de « mondes » partagés : quelles places y tiennent les différents médias, avec quels enjeux ?
– sociologie des pratiques et usages en fonction des supports considérés…

Je me suis fixé sur deux anime de Pokémon (j’ai toujours insisté dans mes titres pour que manga et anime apparaissent conjointement) et sur le jeu dont il sont issus : Pokémon Rouge / Vert / Bleu. Ce corpus restreint me permettait à la fois de répondre aux interrogations du colloque tout en donnant une porte d’entrée vers ma thèse.

Proposition v1Je me suis donc lancé dans la rédaction de ma proposition. Il était demandé une proposition d’environ 3000 signes, c’est-à-dire une proposition qui tiendrait sur un recto. Voilà ce qu’a donné le premier jet >

Ensuite, j’ai demandé avis à ma directrice, et j’en suis venu à faire une v2 puis une v3.
Là si je devais donner un conseil, ce serait d’essayer de conserver ses brouillons ou ses versions préliminaires, ce n’est pas parce qu’on ne les utilise pas immédiatement qu’elles sont inutiles. Il y a des idées dans ces versions que vous pourrez reprendre par la suite, la preuve, je le fais en ce moment-même !

Proposition V2Proposition V3

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g< Proposition V2

Proposition V3 >

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2. Le poster

Bravo, la proposition est acceptée, vous pouvez maintenant vous lancer dans la réalisation de votre poster. Vous pouvez trouver des méthodes très facilement sur le net, donc je ne vais pas les reporter ici, je vais plutôt raconter concrètement comment je m’y suis pris.g

2.1 Brouillons et storyboards

IMG_0198gggNpp brouillongggNpp brouillon d

Les brouillons servent moins à savoir ce que vous allez faire qu’à savoir ce que vous ne voulez pas faire, ça vous permet surtout de vous lancer, d’avoir une base quitte à la détruire par la suite.

2.2 La réalisation

Après des essais infructueux sur Inkscape, Illustrator et Photoshop, je me suis finalement rabattu sur Powerpoint pour réaliser mon poster. Mine de rien, Powerpoint est très puissant pour ce genre d’exercice si on se sert vraiment de ses outils, notamment ceux qui servent à grouper et à aligner les objets.

Au début, mon poster était vraiment très laid :

NPP poster v1

J’avais placé des cadres pour mes parties, et mis les idées des propositions à l’endroit où elles devraient se trouver, j’avais aussi utilisé une forme toute faite de powerpoint pour illustrer une hiérarchie mais c’était beaucoup trop laid… C’est là que je me suis rappelé être tombé sur un site qui donnait des petites combines pour faire des présentations plus attrayantes : Simple Ways To Dramatically Enhance Your Presentations. On y trouve des astuces pour faire des formes simples mais expressives ainsi qu’un lien vers Adobe Kuler qui montre des associations de couleurs intéressantes. C’est ainsi qu’est née ma v2 :

NPP poster v2Puis ma V3 dans laquelle je me débarrasse des cadres qui alourdissait ma page. Je ne vais pas entrer dans tous les détails de la composition mais parfois j’ai eu recours à Photoshop pour retoucher mes images (chose toute bête, la photo de GameBoy que j’ai trouvée sur le net montre une GameBoy éteinte… ça me dérangeait plus que ça n’aurait dû et j’ai cherché une photo de led allumée pour obtenir une GameBoy allumée… !). C’est cette version que j’ai montrée à ma directrice pour lui demander son avis.

NPP poster v3Ma directrice a donc fait plusieurs remarques sur ce poster. Elle pensait à juste titre qu’on ne percevait pas l’objet principal de ma thèse et qu’on ne voyait que des Pokémon. Elle trouvait aussi qu’il y avait beaucoup trop de texte. Il y en avait en fait très peu mais il était en 40 au lieu de 24, quand j’avais fait cette V3 je voulais réduire le texte au maximum mais quitte à en avoir peu, je voulais qu’il soit lisible. Elle m’a aussi fait la remarque que mes illustrations étaient purement décoratives, je n’étais pas tout à fait d’accord avec ça non plus, mais je peux le comprendre. Ce que j’ai voulu faire avec ces illustrations c’est qu’elles aient de l’impact et qu’elles soient digestes avec le plus d’instantanéité possible (quitte à simplifier), le problème c’est que ces illustrations servaient aussi à illustrer un propos implicite. Par exemple, l’image de la GameBoy n’est pas seulement là pour faire beau, dans mon idée elle était surtout là pour rendre présente l’existence matérielle et médiatique de l’objet que j’étudiais. Suite à ces remarques j’ai ajouté une partie pour recentrer vers ma thèse, remanié les titres pour mieux montrer les liens avec ma thèse et utilisé une fonte plus petite, ce qui a donné ma V4 puis ma V5 finale :

NPP poster v5

On peut toujours trouver à redire sur un travail mais à un moment, on doit s’arrêter, la version ci-dessus est la version sur laquelle je me suis arrêté. Je ne prétends nullement qu’elle soit parfaite ni même qu’elle soit un modèle et je vais même encore lui trouver deux défauts :

  • Il y a toujours trop de texte, je le conçois, mais même si je le conçois, je serais incapable de retirer quoi que ce soit.
  • J’ai été bête de mettre mes coordonnées au bas du poster. Quand on travaille dessus on a accès à la totalité de la page sur son écran, en revanche quand le poster est imprimé et affiché il faut se rendre compte qu’avec le format vertical (qui était imposé) le bas du poster arrive aux chevilles de ceux qui le regardent. Il aurait été plus avisé de les mettre en haut, au niveau du regard. J’avais aussi pris la peine de mettre un flashcode contenant une Vcard avec mes coordonnées, si par pur hasard un technophile passait par là, mais je ne suis pas sûr qu’il ait beaucoup servi (parce qu’en plus il aurait fallu se baisser pour l’atteindre).

Je prévois de faire un autre billet pour montrer comment j’ai fait la présentation Powerpoint qui accompagnait le poster, elle contenait des montages vidéo et on m’a demandé comment j’avais fait, ce sera donc dans le prochain billet.

Dans mon corpus ? #1 Tonari no Seki-kun

Préambule !
J’inaugure une série de billets où je vais présenter des mangas ou des anime qui seront dans mon corpus et d’autres qui pourraient l’être. J’essaierai de montrer les raisons scientifiques et non-scientifiques qui m’amènent à parler de ces œuvres. Je ne sais pas quelle forme cela va prendre, je ne sais pas à quel point je m’autoriserai des digressions et je ne sais pas quel ton je vais adopter. Vous voilà prévenus, je peux maintenant démarrer l’esprit tranquille 🙂

Je vais donc commencer par une découverte assez récente avec l’anime Tonari no Seki-kun. Tonari no Seki-kun est l’adapation d’un manga du même nom publié dans le Comic Flapper, un mangashi mensuel relativement récent orienté seinen. Pour tout dire, j’ignorais l’existence de ce mangashi avant de rédiger ce billet, et je ne pense pas qu’on puisse m’en vouloir parce qu’il contient assez peu de gros titres (à part une suite de Cobra), en gros, ce n’est ni le Jump ni le Magazine.

De quoi ça parle ?

Seki est l’élève du fond de la classe qui ne suit jamais les cours, il passe son temps à bricoler et à s’inventer des histoires ce qui perturbe sa voisine Yokoi qui ne peut s’empêcher de regarder ce qu’il fabrique.

Quelle forme ça prend ?

Tonari no Seki-kun est un anime de format court, les épisodes durent environ 10 minutes (contre les 20-25 minutes habituelles). L’animation est très minimaliste (les mauvaises langues diraient très pauvre) il y a très peu de mouvements, peu de décors, peu de personnages, il y a même assez peu de dialogues car on entend finalement que les monologues intérieurs de Yokoi qui réagit aux bêtises de Seki qui lui est dans son monde et ne parle pas.

Mes impressions (personnelles et non scientifiques !)

Sur la forme l’anime paraît vraiment très cheap. Même son synopsis s’annonce assez peu engageant. Je m’attendais à des histoires d’école comme j’en ai vues des dizaines, mais finalement j’ai bien aimé parce qu’il me semble que le parti pris minimaliste à petit budget et sans prétention énorme me semble bien assumé, et je dirais même que ça change, ça donne une certaine forme d’originalité à l’anime.

Quel rapport avec ma thèse ? (Je rappelle que ma thèse porte sur la métaréflexivité dans le manga et l’anime)

Il y a un truc… un truc et demi !
Le premier saute aux yeux dès le générique d’ouverture :

(Je ne suis pas responsable de la qualité de la chanson !)

La deuxième moitié du générique montre Seki monter son propre anime, on voit le storyboard (qui contient les plans de la première moitié du générique), les dessins préparatoires sur la table lumineuse, puis la mise en forme digitale, Seki tend ensuite le script à Yokoi (les scripts ont ce format très caractéristique, en voici de nombreux exemples1) pour faire la prise de son et Yokoi prononce “yamete” (arrête). Ce “yamete” est intéressant car il traverse les niveaux de réflexivité.

  1. Il fait partie des paroles de la chanson utilisée pour le générique qui est interprétée par la doubleuse de Yokoi (ce qui amène une ambiguité que j’avais déjà repérée dans les chansons associées à Sayonara Zetsubou sensei : est-ce que c’est la doubleuse Kana Hanazawa qui chante ou est-ce le personnage de Yokoi ?2) Traduction ici pour les curieux téméraires.
  2. Il est prononcé au niveau intradiégétique par Yokoi qui demande à Seki de s’arrêter.
  3. Il est prononcé dans l’anime créé par Seki.

Ce qui a de l’intérêt pour ma thèse c’est la mise en abyme évidente mais aussi le fait que cela se produise dans le générique et pas dans l’histoire à proprement parler.

Pour mes recherches il me semble vraiment nécessaire de porter attention non pas seulement aux diégèses mais aussi à ce qui les entoure (génériques, omake, annonces “À suivre”, voire jaquette des dvd etc). J’assimilerais ça très volontiers à du paratexte sauf qu’il s’agit d’un support audiovisuel donc il reste à voir si le terme tolère un usage plus large. Mais si je remplace juste le mot livre par le mot anime dans ce qui suit, il me semble que nous parlons de la même chose et des mêmes enjeux :

Le paratexte est donc pour nous ce par quoi un texte se fait livre et se propose comme tel à ses lecteurs, et plus généralement au public. Plus que d’une limite ou d’une frontière étanche, il s’agit ici d’un seuil, ou – mot de Borges à propos d’une préface – d’un « vestibule » qui offre à tout un chacun la possibilité d’entrer, ou de rebrousser chemin. « Zone indécise » entre le dedans et le dehors, elle-même sans limite rigoureuse, ni vers l’intérieur (le texte) ni vers l’extérieur (le discours du monde sur le texte), lisière, ou, comme disait Philippe Lejeune, « frange du texte imprimé qui, en réalité, commande toute la lecture ». Cette frange, en effet, toujours porteuse d’un commentaire auctorial, ou plus ou moins légitimé par l’auteur, constitue, entre texte et hors-texte, une zone non seulement de transition, mais de transaction : lieu privilégié d’une pragmatique et d’une stratégie, d’une action sur le public au service, bien ou mal compris et accompli, d’un meilleur accueil du texte et d’une lecture plus pertinente – plus pertinente, s’entend, aux yeux de l’auteur et de ses alliés.3

Si le paratexte m’intéresse, c’est parce que j’ai aussi remarqué que parfois les séries aux histoires très ancrées story telling trouvent dans ces paratextes l’occasion de prendre du recul sur elles-mêmes et ce n’est peut-être pas un hasard du fait de leur caractère transitif ; c’est une piste à explorer.

Et le 1/2 ?

Je disais qu’il y avait une chose et demie qui pouvait avoir de l’intérêt pour ma thèse dans Tonari no Seki-kun, cet à moitié ce sont les récits enchâssés. Les jeux de Seki sont observés par Yokoi et elle en tire des histoires, il y a donc deux niveaux de récits (c’est peu mais c’est présent), celui où Yokoi et Seki sont personnages et celui où Seki et Yokoi inventent des histoires et des personnages. On est dans le cas du récit dans le récit, ce n’est pas métaréflexif mais je trouve ça quand même intéressant.

Thèse, hypothèse, synthèse.

Avant de commencer ce billet je m’attendais à produire un texte infiniment plus court. Dans ma tête je voyais quelque chose du genre :

Tonari no Seki-kun = générique métaréflexif alors que série pas tellement à part les récits enchâssés peut-être.

Pour être très franc si cet anime apparaît dans ma thèse ce sera très furtivement et je me rends compte que pour en parler il m’a fallu deux-trois pages (et quelques jours de décantation), ce qui me fait craindre le pire quand le moment viendra d’aborder les œuvres solides de mon corpus !

Je termine en répétant que cette rubrique est un test, j’espère la poursuivre assez longtemps pour la raffiner, mais en attendant elle est telle qu’elle est.
Tant que j’y suis, si vous voulez me contacter, vous pouvez le faire via mon compte twitter : @nperezprada qui est le compte twitter de mon don Diego de la Vega, je cache mon compte Zorro pour avoir l’air plus sérieux, mais ironiquement mon vrai compte n’est pas celui avec mon vrai nom, ce qui fait que celui avec mon vrai nom est désertique, j’essaie de lui donner de la consistance par ce biais veuillez m’en excuser !

1. Note pour moi-même : la première fois que j’ai vu des scripts d’anime, c’était dans des omake de Naruto Shippuuden. On voyait les personnages dans un studio d’enregistrement qui tenaient les scripts comme s’ils étaient des seiyuu et maintenant que j’y pense, je devrais vraiment en parler quelque part dans ma thèse (et donc faire un billet à ce sujet !)

2. Peut-être que les plus terre-à-terre préfèreront la formulation “Kana Hanazawa jouant Yokoi chantant la chanson”.

3. Gérard Genette, Seuils

Comment je suis venu aux mangas ?

C’est drôle, dans les questions que l’on m’a posées lors de mon audition, il y en avait une qui présumait que je lisais des mangas depuis toujours et j’ai dû contredire le présupposé car dans les faits j’ai lu Le Rivage des Syrtes avant de lire Naruto.

Bien sûr, j’ai 25 ans et j’appartiens à la génération Dorothée, j’ai donc vu des anime dans mon enfance comme :Saint Seiya Saint Seiya (Les chevaliers du zodiac), Ranma 1/2, Dragon Ball, City Hunter (Nicky Larson), Captain Tsubasa (Olive et Tom), Uchuu densetsu Ulysses 31 (Ulysse 31), Cat’s eye, Bishōjo senshi Sailor Moon (Sailor Moon), Hokuto no Ken (Ken le survivant), Candy Candy (Candy), High school! Kimengumi (Le collège fou, fou, fou) et j’en passe ! Je les regardais avec mes yeux d’enfant et sans même tout comprendre (certaines traductions bâclées en VF doivent y être pour quelque chose), et je les regardais comme de simples dessins-animés, je ne faisais pas la différence entre ceux-là et par exemple Inspecteur GadgetSpiderman, Les tortues ninja, X-men, ou les productions purement françaises comme par exemple les Il était une fois… la vie etc. Je regardais tout ça en même temps que je jouais avec ma GameBoy à des jeux comme Zelda, Kirby, Mario, Wario, Mystic Quest, Megaman, Pokémon

J’ai donc vu comme tous les enfants de l’époque (ou du moins tous ceux dont les parents ne lisaient pas Télérama) quelques anime mais je n’étais pas particulièrement passionné par eux. Vers l’âge de douze ans j’ai regardé Pokémon parce que j’étais (et je suis toujours) un grand fan du jeu. Et puis, autant que je m’en souvienne, ce fut le dernier anime que j’ai pu voir durant mes années de collégien. Les idées propagées par des ouvrages comme celui de Ségolène Royale avaient dû faire leur chemin et les petits français dont je faisais partie avaient maintenant la chance d’avoir le cerveau libéré des “japoniaiseries”.

(Je m’occupais en jouant à la Nintendo 64, et à la GameBoy Advance.)

Au lycée, j’avais quelques amis qui lisaient des mangas, un fan de Dragon Ball, un autre de Saint Seiya, deux autres qui lisaient One Piece, moi je n’en lisais pas. Je trouvais même que le style de One Piece était assez moche pour tout dire. Je jouais avec ma GameCube et ma GameBoy advance. Mais durant cette période, Canal+ commençait à diffuser des anime intéressants comme GTO, MonsterMonster et Samurai Champloo, je les regardais comme je regardais The Simpsons par exemple, je n’étais pas encore plongé dans les anime.

Je m’étais quand même rendu compte que j’aimais vraiment le Japon. Si j’ai cité les consoles et les jeux auxquels je jouais, ce n’est pas pour rien, 99% d’entre eux sont japonais. Entre les cours j’essayais d’apprendre le japonais par moi-même avec un livre de méthode. J’ai appris mes kana au lycée en faisant des affiches que j’avais accrochées à l’internat, sans jamais avoir entendu du japonais oral. Alors, faute de pouvoir pratiquer réellement le japonais, j’avais laissé tomber.

(À la fac, il y avait une option japonais, hélas, elle chevauchait une autre matière que je ne pouvais pas éviter, par conséquent je n’ai jamais appris le japonais à l’école.)

Je reviens un peu en arrière, après mon bac, à 18 ans, j’ai travaillé deux mois à l’usine et je me suis offert un ordinateur ; chez mes parents il n’y a jamais eu d’ordinateur. J’étais donc à la fac dans ce petit appartement avec mes consoles, mon ordinateur (mais pas internet) et mes livres pour l’école. Deux ans plus tard, je me suis abonné à internet (comprenez que j’ai découvert internet à l’âge de 20 ans) et peut-être parce que j’en avais été privé jusque là, je me suis jeté à corps perdu dedans. Je fréquentais très activement les forums de jeux vidéos et au contact des membres des forums, j’ai découvert les nouveaux anime qui se faisaient. À cette époque pas si lointaine Dailymotion était beaucoup moins strict qu’il ne l’est aujourd’hui et on pouvait trouver très facilement des fansubs d’anime. C’est comme ça que j’ai regardé les premiers épisodes de Bleach et de Naruto, mais aussi d’Elfen Lied et de Claymore ainsi que Death Note, c’est aussi la première fois que je voyais des anime en VOSTFR, jusque là, je les voyais à la télévision et donc en VF.Elfen Lied

Elfen Lied a été une première claque, l’horreur, la nudité et la violence qu’il renferme ont eu l’effet d’une bombe sur moi. Aujourd’hui, avec le recul, je ne saurais pas dire si Elfen Lied est un bon anime mais ce qui est sûr c’est qu’il a été un premier déclencheur pour moi.

(Je ne vais pas faire une liste exhaustive de  tous les anime que j’ai vu durant cette période, donc je passe)

Ensuite un ami m’a conseillé de regarder une série qui faisait beaucoup de bruit, il s’agissait de Code Geass, ce fut ma deuxième claque. Code Geass est un anime de mécha, mais tout l’intérêt de cet anime réside dans le personnage principal qui obtient un pouvoir surnaturel qui lui permet en quelque sorte d’hypnotiser n’importe qui et de le plier à sa volonté. Puis, comme dans Death Note ce pouvoir lui fait perdre la raison. En rédigeant ces lignes je me rends compte que je suis incapable de justifier la place que cet anime a dans mon cœur, mais je vais essayer quand même : j’aime beaucoup le personnage principal, le character design de Clamp assez atypique choque suffisamment pour faire naître de la curiosité, la tension qu’il y a dans les épisodes est indéniable et les cliffhangers affament, bref, c’est un anime qui donne envie d’être vu.

Dans mon cas il y a un avant Code Geass et un après Code Geass. Avant Code Geass je regardais les anime pour passer le temps, après Code Geass j’ai regardé les anime comme un fan et ce fut la dégringolade ! Quand une team subbait un anime je regardais toutes les autres séries qu’elle subbait par simple curiosité et même si la série ne me semblait pas attirante aux premiers abords. De liens en liens je passais d’une série à une autre et mon réseau s’étendait. Je regardais de plus en plus d’anime…Code Geass

…Jusqu’à ce que j’épuise les sorties en direct, je n’avais plus d’anime à regarder (selon mes goûts de l’époque, car une vie entière ne suffirait pas à tout regarder), et la faim de savoir ce qu’il se passe après prenait le pas sur la patience d’attendre le prochain épisode, il fallait donc que je me tourne vers les scans. C’est à ce moment que j’ai commencé à lire des mangas (et non plus regarder des anime).

Dans le même temps, il y a un anime qui me plaisait beaucoup mais qui mettait du temps à être subbé et à être subbé correctement (oui, le fansub est une solution d’appoint, certaines teams font des traductions de très très bonne qualité, mais d’autres soumettent des traductions plutôt approximatives)… Passons, souvent les teams de fansub font appel aux fans pour grossir leurs effectifs et permettre des sorties plus rapides et de meilleure qualité, comme je regardais des tonnes d’anime je me sentais presque coupable de ne pas apporter mon aide, et en lisant certaines traductions je me disais souvent “Ça c’est pas bon, il aurait fallu traduire comme ça”. A priori en tant qu’étudiant en lettres je devais être bien placé pour corriger les erreurs de français présentes dans les trads et j’ai donc intégré une team de fansub. Je passe sur les détails mais je suis rapidement passé de simple correcteur à adaptateur, puis carrément d’adaptateur à traducteur. Mais là vous vous dites peut-être : traducteur ? de japonais ? Il parle japonais ? En fait, la plupart des teams de fansub travaillent sur les scripts en anglais. Quand la source en anglais est bonne, on peut quasiment la traduire les yeux fermés sans connaître un mot de japonais (j’exagère), quand elle est moins bonne les choses se compliquent. J’ai connu les deux cas mais quand les scripts se sont détériorés, nous procédions à une double traduction, on traduisait en anglais pour avoir une base et on la vérifiait quasiment mot à mot avec le japonais (à l’oreille, et à l’appui des scans non traduits), c’est comme ça que j’ai appris le peu de chose que je connais du japonais.

Pour être clair, je ne parle pas le japonais couramment mais je le connais quand même un peu, et comme souvent quand on débute dans une langue, “je le comprends mieux que je ne le parle”. Je suis capable à l’aide d’outils de le déchiffrer et d’en tirer du sens mais je ne prétendrais jamais être bilingue. Ça peut sembler anecdotique mais si je me fie à un site dans lequel je recense tous les anime que j’ai vus, il semblerait que j’aie passé 109 jours à regarder des anime (le chiffre me semblait gros mais en fait, si je prends juste One Piece, un épisode dure ~24 minutes, il y a à ce jour 673 épisodes 673×24=16152 minutes soit ~11 jours) et pendant ces 109 jours je ne peux pas dire que je n’ai rien appris du japonais, c’est sûr mon japonais est très loin d’être parfait mais il n’est pas nul non plus, disons que je le comprends suffisamment pour repérer quand un traduction s’écarte un peu trop du sens littéral.

Voilà comment je me suis mis à regarder des anime et lire des mangas.

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Je fais un ajout pour parler de mon expérience de fansubbeur. En devenanr fansubbeur j’ai rencontré des gens que je n’ai jamais croisé dans la “vraie vie” mais je peux quand même les qualifier d’amis. Le travail en équipe n’était pas toujours facile, on avait souvent des désaccords sur les traductions mais au final ce n’était que pour les rendre meilleures. Les conseils que je donnais pour former les petits nouveaux, m’ont ensuite servi quand j’étais professeur de français. Je devais enseigner aux nouveaux ce qu’on acceptait et ce qu’on n’acceptait pas dans nos traductions, par exemple on exigeait un français oral mais correct, je me souviens avoir beaucoup milité en faveur du [après que + indicatif] et beaucoup lutté contre la négation qui dans certains cas brisait l’oralité des dialogues. Car s’il y a bien une chose que j’ai apprise, c’est que les mangas et les anime sont certes des dessins mais ce sont surtout des lignes et des lignes de dialogues. Je passais environ cinq heures à travailler sur un épisode d’une vingtaine de minutes en m’arrachant les cheveux pour que la ligne soit la plus concise, la plus proche du sens original et la plus naturelle en français. Ce travail extra-scolaire n’était pas complètement perdu car il apportait de la matière à mes recherches. Concrètement, cela m’a fait émettre l’idée que le duo manga-anime est très proche du théâtre sous certains aspects, en poussant l’idée un peu plus loin j’ai aussi essayé de montrer que le texte de manga (certains mangas si je veux être prudent) couché sur papier aspire à être joué, représenté et interprété dans l’anime. Ça, si je n’avais pas été directement en contact avec les dialogues comme je l’ai été je ne suis pas sûr que cela me serait apparu.

Nicolas Perez Prada

Je suis Nicolas Perez Prada, je prépare depuis octobre 2013 une thèse intitulée “Le métamanga : l’imbrication des procédés réflexifs dans le manga et l’anime”.

Cette thèse se situe dans le prolongement de travaux menés en Licence et en Master à l’université de Limoges dans le cadre du cours de “Cultures médiatiques” dispensé par Jacques Migozzi, Natacha Levet et Irène Langlet qui dirige ma thèse.

Dans le cadre de ce cours et pour mes mémoires de master j’avais travaillé sur le shōnen manga comme alias contemporain du roman feuilleton, sur l’intertextualité en manga, sur la notion d’œuvre en réseau en manga et sur la transmédialité en manga.

Les prequels et la question de la chronologie dans la série Zelda.

Voilà, c’est moi qui vais inaugurer ces carnets de recherches en postant à propos d’un sujet… qui ne concerne pas mes recherches !

Ma thèse concerne les mangas mais je lis aussi beaucoup de jeux vidéos et sans travailler vraiment dessus, ils m’amènent vers des interrogations qui ne me semblent pas inutiles. Je crois que je vais me décharger de ces interrogations ici, ce ne sera pas de manière poussée, n’attendez pas de moi des citations et des biblio dans ce genre de billets, ce sont des germes d’idées, comme si je pensais à haute voix.

Commençons !

Je n’ai jamais lu de textes se penchant très précisément ou exclusivement sur les prequels et je me suis demandé comment je pourrais moi-même les définir. Ne m’en veuillez pas si je n’utilise pas préquelle, l’anglicisme est trop ancré dans ma tête.

Déjà, je ne sais pas quelle est la bonne définition de prequel. Est-ce que ça se limite à cela :

Épisode dont la publication est chronologiquement postérieure à un texte mais qui se situe antérieurement dans le récit (~analepse). (épisode 4 qui sort après l’épisode 5)

Ou peut-on étendre l’usage du terme dans les cas d’une succession chronologique normale ?

Par exemple peut-on dire l’épisode 5 d’une série est la prequel de l’épisode 6, le 6 du 7, le 7 du 8 etc (quand les épisodes sont sortis dans l’ordre 5, 6, 7, 8…) ou doit simplement dire l’épisode précédent ?

Ce qui me gêne si je m’en tiens à la première définition c’est que ça ne fonctionne que dans des cas simples idéalement du type « le texte B est la prequel du texte A » ou à la rigueur le groupe B est la prequel du groupe A (je pense à l’exemple des Star Wars mais je reviendrai là-dessus).

Par contre si on a une narration plus complexe type :

Texte A publié en premier

Texte B publié en deuxième mais diégétiquement antérieur à A

Texte C publié en troisième mais diégétiquement postérieur à A (et B du coup)

Texte D publié en quatrième mais diégétiquement entre A et C

Texte E publié en cinquième mais diégétiquement postérieur à C

Si je rétablis l’ordre diégétique j’ai donc BADCE

Comment dois-je qualifier le texte D ? Est-ce que je dis que c’est la prequel de C ou la suite de A ? J’ai vu que le terme interquel pouvait être employé, D ici en serait le parfait exemple.

Puisque le texte E est la suite de D (en terme de publication) mais en même temps la suite de C (diégétiquement) comment dois-je le qualifier ? Est-ce qu’il faudrait inventer la notion de *postquel pour souligner le fait qu’on saute par dessus un épisode (ce qui serait peut-être ridicule par rapport à sequel simple : suite) ?

J’aurais pu compliquer davantage mon exemple en insérant dans le texte B un passage proleptique qui survient après le texte E. Aurais-je eu à  diviser l’épisode B et isoler le passage proleptique du reste, en faire un B’ ?

Là où je veux en venir c’est qu’on peut arriver à des moments où l’usage des termes en -quel tombe à plat et devient presque ridicule. Je crois que ça tient au fait que l’usage de ces notions est toujours relatif, de ce fait on ne peut savoir qu’à posteriori de quoi il en retourne, et c’est souvent relatif de manière immédiate (c’est-à-dire immédiatement avant, après, entre ou en même temps qu’un autre épisode). Je crois aussi que les notions elles-mêmes sont trop restreintes pour analyser les chronologies en détail.

…ce qui me fait revenir à l’exemple de Star Wars (parce qu’il est bien connu), j’ai parlé de groupe plus tôt parce qu’on a eu une succession d’épisodes de type :

[4, 5, 6] [1, 2, 3]

où on recommence une chronologie linéaire en partant d’un point ancien pour ménager une suite (j’appellerais ça la prequel anticipatoire faute de mieux), au lieu de :

*[4, 5, 6] [3] [2] [1]

où les prequels auraient été immédiates au plus ancien épisode (le 4) et suivant une chronologie à rebours (prequel à rebours).

Là, ce qui m’intéresse c’est que d’une part dans les deux cas on parle de prequel que ce soit pour [1, 2, 3] ou [3] [2] [1], alors qu’à mon sens ce n’est pas tout à fait pareil : voir Anakin vieillir et devenir Vador, n’est pas pareil que de voir Vador rajeunir et devenir Anakin.

Je m’interroge sur ce que ça produit sur le sens du texte de choisir telle ou telle autre chronologie. Comment le lecteur construit-il les liens entre les épisodes et d’un autre côté comment on lui impose ces liens ? Qu’est-ce que ça change dans la réception d’une histoire qui reste pourtant la même ?

Il faudrait aussi parler du fait que Lucas et le fandom ont recréé la numérotation des épisodes pour que l’ordre diégétique soit intelligible, au sens strict on devrait plutôt dire qu’on a eu :

[1, 2, 3] [-3, -2, -1]

L’épisode sorti en premier (donc épisode 1) est subitement devenu l’épisode 4 à cause des prequels. Je pense qu’il y a des choses à dire sur ce réarrangement.

Depuis le rachat par Disney on sait aussi qu’il y aura un nouvel épisode (sûrement 7) qui devrait donc être ce que je considère comme postquel (aussi ridicule que ce soit).

Il y aussi des rumeurs concernant deux spin-off qui seraient des interquels ou des midquels. (Avalanche de jargon !).

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J’ai pris des exemples issus de Star Wars parce que je suppose que tout le monde est familier avec mais pour tout dire ce problème des prequels m’est venu à cause de la chronologie de la série Zelda.The missing link

 Pendant assez longtemps (jusqu’à ce que la saga fête ses 25 ans en 2011) Nintendo a farouchement refusé de donner une chronologie « officielle » en indiquant tantôt qu’il n’y avait pas vraiment de chronologie stricte et tantôt que cette chronologie existait bien en interne, bref, Nintendo entretenait le mystère.

Les fans devaient donc se débrouiller pour la construire entrainant un jeu sur le jeu (quasiment une enigme extra-diégétique). Il y avait de nombreux débats sur les forums où les fans donnaient leurs versions en s’appuyant sur les (rares) indices qu’ils pouvaient trouver çà et là en portant attention aux moindres détails comme l’illustre ce webcomic >

Je trouve que cette quête de chronologie est en-soi un mode particulier de réception/transmission de la narration. Dans Star Wars on savait parfaitement à quel moment de la chronologie on se situait (on a même renommé les épisodes originaux à cette fin). Dans les Zelda, c’est le joueur qui devait déduire ou parfois presque deviner à quel moment de la chronologie il se trouvait en lisant le jeu entre les lignes.

Seulement voilà, Nintendo a fini par révéler sa chronologie :

Mais cette chronologie pose problème à plusieurs niveaux :

  • Je reviens sur le problème de la relativité qui force (ou a forcé) les lecteurs à faire des réajustements. Par exemple au moment de la sortie du troisième épisode A Link to the past, qui reste pour beaucoup connu sous le nom Zelda 3, seul le titre laissait supposer que cet épisode était une prequel plutôt qu’une suite, rien dans la diégèse de cetépisode ne le laissait entendre. C’est seulement grâce aux épisodes postérieurs que l’on pouvait (peut-être) deviner où il se situait. De même, on sait que A Link Between Worlds qui doit sortir en octobre 2013 est une suite directe de A Link to the past, ce qui en fera un interquel, la chronologie est donc évolutive, fluctuante.

 

  • Il y a un voyage dans le temps dans l’épisode Ocarina of Time et donc à partir d’un certain point il y a trois chronologies parallèles qui apparaissent (ce qui complique la tâche quand on veut ordonner les épisodes à l’aide des termes en -quel). Dans le tableau ci-dessous j’ai indiqué l’ordre diégétique des épisodes (le chiffre indique la chronologie des sorties) et la frise qui se trouve en dessous est le calendrier des sorties des jeux. Si je veux situer mettons… l’épisode 15 par rapport à l’épisode 8, sachant qu’ils se trouvent chacun dans une ligne différente, je ne peux pas vraiment dire qu’ils sont des midquels (épisodes se déroulant simultanément dans le temps) alors comment les qualifier ?! De paraquels ?!Chronologie Zelda
  • Elle est partiellement contestée par le fandom, parce qu’elle est contestable sur certains points (ce qui remet en cause l’autorité auctoriale).

    • Par exemple elle prend en compte des épisodes qu’une grande majorité de fan considère comme non canonique (Parce qu’édités par Capcom au lieu de Nintendo par exemple).

    • La timeline conserve des zones d’ombre et d’autres interprétations semblent recevables. Par exemple il y a un personnage de hibou qu’on trouve dans trois épisodes, il aurait été plausible et même logique que ces trois épisodes soient sur la même ligne chronologique et de manière assez rapprochée or ce n’est pas le cas).

    • La timeline du héros qui échoue est critiquée car rien ne la laisse présager et elle paraît aux yeux de nombreux fans comme une explication ad hoc. Mais elle est intéressante pour nous car elle pose d’autres questions, car s’il est possible que le héros échoue, on peut donc imaginer qu’il puisse échouer lors de chaque épisode, ce qui produirait au moins deux branches chronologiques à l’issue de chaque épisode, or ce n’est pas le cas. Je ne parle même pas de l’aspect déceptif de cet échec car il s’agit d’un jeu et imposer une ligne chronologique où le héros échoue nie en quelque sorte le rôle du joueur dans la construction du récit car quoi qu’il fasse quel que soit son talent, il a perdu d’avance car c’est écrit.

 

Tout ça pour dire :
Je crois que les notions en -quel sont à améliorer, elles fonctionnent (à peu près) à une échelle macroscopique mais si l’on veut entrer dans les détails elles se délitent rapidement et obligent comme je l’ai fait ici à couper des cheveux en quatre. Le problème c’est que les récits n’hésitent pas à couper les cheveux en quatre et qu’on ne peut pas se permettre de passer à travers ces circonvolutions.

D’un autre côté peut-être que pousser le jargon à l’excès peut amener son lot de lapalissade, ma “postquel” est une suite, pourquoi ne pas l’appeler simplement “suite”, cela vaut-il vraiment la peine de compliquer les choses ?